Wiedereröffnung ist ein Triumph, aber für wen?

Inmitten der Panik, des Entsetzens und der Trauer im Frühjahr 2020 begann eine Angst, die nachzuhallen begann, die Erwartung, dass das Theater, wenn es zurückkäme, am Ende exklusiver denn je sein würde.

Die Prognose lautete, dass es mehr Wiederbelebungen von zuverlässigen Cash-Cows und "Broadway-Blockbustern" geben würde, um sicherzustellen, dass die entgangenen Einnahmen wieder hereingeholt werden könnten, wobei der Schwerpunkt auf sicheren Finanzinvestitionen und nicht auf der Berücksichtigung aktueller künstlerischer Stimmen liegen sollte. Wie bei allem auch, würde der Preis dafür überproportional von queeren Künstler*innen und Künstler*innen of Color gezahlt werden. Jetzt, da die großen Broadway-Shows ihre Wiedereröffnungstermine bekannt geben, muss ich eines klarstellen: Ich habe kein Interesse daran, den Broadway oder die Kunstindustrie im Allgemeinen wieder zur Tagesordnung zu bringen. Die Pandemie hat die Branche bereits gezwungen, eine problematische Exklusivität gegenüber unseren Kunden anzuerkennen, die wir endlich durch verstärkte digitale Programme zu überbrücken begonnen haben. Wir müssen uns jedoch noch vollständig mit unserer Inklusionspflicht gegenüber den Künstlern und Administratoren in unseren Hallen auseinandersetzen. Diese Gerechtigkeit sollte für die Planung Ihrer Rückkehr genauso wichtig sein wie die Einstellung eines COVID-Compliance-Beauftragten, und es gibt keine Entschuldigung dafür, sich dieser Verantwortung zu entziehen. Lippenbekenntnisse zu diesen Initiativen reichen nicht aus - und diejenigen, die sich tatsächlich für Inklusion einsetzen, werden sich als echte Vorreiter in der Kunst- und Kulturbranche profilieren.

Was Sie sehen, ist das, was Sie bekommen

Die 2011 gegründete Asian American Performers Action Coalition (AAPAC) veröffentlicht jährlich eine Studie zur gleichberechtigten Repräsentation am Broadway und in gemeinnützigen Theatern in New York. Der Bericht zeigt, was die meisten unterversorgten Bevölkerungsgruppen aus eigener Erfahrung wissen: nicht nur eine Ungleichheit, sondern eine klaffende Kluft in der Repräsentation zwischen weißen Darstellern und POC. In der jüngsten Studie der Saison 2017-2018 stellte die AAPAC fest, dass 61,5 % aller Rollen auf den New Yorker Bühnen an weiße Schauspieler gingen, obwohl sie nur 32,1 % der Stadtbevölkerung ausmachen. Die größte Spanne zwischen der Präsenz auf der Bühne und in der Bevölkerung ging an Schwarze Schauspieler, die 23,2 % der gecasteten Schauspieler und 24,3 % der Bevölkerung ausmachten. Dies ist jedoch die Ausnahme. 6,9 % der Stellen gingen an Asiaten (die 13,9 % der Bevölkerung ausmachen) und 6,1 % an Latinx (29,1 % der Bevölkerung). Die proportionale Vertretung marginalisierter Bevölkerungsgruppen in einer der vielfältigsten Städte des Landes sollte kein Ziel sein, sondern das absolute Minimum. Die Tatsache, dass weiße Schauspieler auf der Bühne fast doppelt so oft zu sehen sind wie auf dem Bürgersteig, sollte nicht akzeptiert werden.

Einige Casting-Direktoren nähern sich diesem Problem, indem sie inklusives/rassenblindes/"nicht-traditionelles" Casting herausposaunen. Ein Vorteil des inklusiven Castings ist die Möglichkeit, marginalisierte Darsteller*innen in Rollen zu heben, die von weißen Darsteller*innen stammen oder für sie geschrieben wurden. Theoretisch sollte diese Praxis das Gießen zu einer echten Leistungsgesellschaft machen. Die Voreingenommenheit verschwindet jedoch nicht, nur weil Sie das Label auf Casting Networks oder Actors Access ändern. In einem anderen Abschnitt des AAPAC-Berichts wurde festgestellt, dass Rollen, die für ein inklusives Casting markiert waren, nur in 20 % der Fälle an POC-Künstler gingen. In dem Bericht heißt es: "Obwohl 20 % der höchste Wert in den 12 Jahren sind, für die wir Daten haben, zeigt dies eine anhaltend niedrige Akzeptanzrate von BIPOC-Akteur*innen in nicht-rassenspezifischen Rollen." Wir haben es immer wieder gehört, gesehen und gesagt: Repräsentation ist wichtig. In jedem anderen Geschäftsbereich haben wir Metriken, KPIs und Strategien zur Steigerung des Outputs. In diesen Kontexten würde eine Erfolgsquote von 20 % niemals toleriert werden, aber wenn es um inklusives Casting geht, ist es ein akzeptables 12-Jahres-Hoch. Dieser Fortschritt ist nicht nur langsam – er ist ein trödelndes Kriechen. Das Angebot eines inklusiven Gusses ohne Erzwingung oder Nachbereitung, um sicherzustellen, dass es die beabsichtigte Wirkung hat, ist das Äquivalent dazu, sich selbst auf die Schulter zu klopfen, wenn man einen Schraubendreher kauft, ohne das Regal zu bauen.

Wenn ein Baum in einem Wald umfällt und niemand in der Nähe ist...

Natürlich hören die glanzlosen Bemühungen um eine gerechte Repräsentation nicht am Casting-Tisch auf. Es spielt keine Rolle, ob die Bühne ein perfektes Tortendiagramm ist, wenn die Botschaften, die von Dramatikern und Regisseuren gesendet werden, nicht genauso vielfältig sind. Nach Angaben der AAPAC machten BIPOC-Dramatiker*innen 2017/18 20,8 % aller Produktionen in NYC aus, eine marginale Verbesserung gegenüber dem Vorjahr, als sie 13,2 % aller produzierten Stücke und nur 5 % der Broadway-Shows ausmachten. Das Theater könnte eine Lehre aus den Debatten des vergangenen Jahres rund um das Fernstudium in der Hochschulbildung ziehen. Einige der Vorteile der Hochschulbildung haben nichts mit dem Lehrplan oder den Professoren zu tun, sondern damit, die Perspektiven und Lebenserfahrungen anderer Menschen zu leben und zu atmen. Das Gleiche gilt für das Theater - Hamilton wäre ein unendlich anderes Musical, wenn es nicht von einem puerto-ricanischen Amerikaner geschrieben worden wäre, der sich viel mehr für die Geschichte von Einwanderern als für eine Einführung in die Makroökonomie interessierte. Die schleppende Inklusion marginalisierter Dramatiker ist ärgerlich. Es ist aufregend zu hören, dass eine asiatisch-amerikanische Frau ein Stück geschrieben hat, das am Broadway produziert wurde, und es ist ärgerlich zu erfahren, dass dies das erste Mal vor 3 Jahren passiert ist (Straight White Men von Young Jean Lee).

Selbst wenn diese Künstler in der Lage sind, ihre Arbeit auf eine Bühne zu bringen, wird die Kontrolle über die Geschichte konsequent an nicht marginalisierte Regisseure übergeben. In der Spielzeit 2017/18 wurden nur 14,4 % aller Produktionen von BIPOC-Regisseur*innen geleitet. Zu den Aufgaben eines Regisseurs gehört es, eine einheitliche Vision eines Werkes für den Konsum des Publikums zu präsentieren. Ein guter Regisseur wird versuchen, die Lücke zwischen seinen Erfahrungen und dem Text durch Recherche und Dramaturgie zu schließen. Marginalisierte Künstler*innen sind dazu gezwungen, weil sie ihre Existenz ständig mit Texten in Einklang bringen müssen, die sie sehen und an denen sie arbeiten. Diese Arbeit setzt sich fort, wenn ihre Identität mehr eine Schlagzeile als ihre Arbeit ist: die Dramatikerin Suzan Lori-Parks, die asiatische Regisseurin Chloe Zhao, der Transgender-Schauspieler Elliot Page, der schwule Schauspieler Billy Porter. Für weiße Künstler*innen, die nicht jeden Tag damit rechnen müssen, ist der Weg des geringsten Widerstands und des größten Trostes für sie die Neutralität , die letztlich die Identität der beteiligten Personen auslöscht. Vorsätzliche Ignoranz dient weder der Erzählung noch den beteiligten Künstlern. Es reicht nicht aus, marginalisierte Künstler*innen auf die Bühne zu bringen oder eine vielfältige Gruppe von Dramatiker*innen hervorzubringen, man muss auch sicherstellen, dass die Menschen, die diese Produktionen leiten, vielfältig sind, wenn man wirklich eine Vielfalt von Stimmen haben will. 

Wer hat das Sagen?

Es reicht nicht aus, vielfältige Inhalte zu zeigen: Der segregierte Süden hatte kein Problem damit, schwarze Künstler*innen in rein weißen Veranstaltungsorten zu buchen und ihnen jede echte Stimme oder Handlungsfähigkeit zu verweigern. Tatsächlich legt die Vielfalt, die nur auf der Bühne stattfindet, die Last der Interessenvertretung denjenigen auf, die wohl am wenigsten Macht haben, ihre Meinung zu sagen. Am 23. April veröffentlichte Aneesh Seth einen offenen Brief , in dem er die jahrelangen schmerzhaften Erfahrungen im Public Theater schildert. Etwa zur gleichen Zeit sorgte Karen Olivo für Furore, als sie ankündigte, dass sie nicht ins Moulin Rouge! zurückkehren würden, und erklärte, dass sie " eine Theaterindustrie wollten, die [ihrer] Integrität entspricht". Beide Performer*innen drückten ihre Erschöpfung darüber aus, dass sie die Last tragen, auf hohem Niveau performen zu müssen, während sie gleichzeitig nur die Last der Repräsentation und des Eintretens für marginalisierte Gruppen tragen. Obwohl ihre Briefe und Interviews wunderschön geschrieben sind, wird Moulin Rouge! dennoch im September zurückkehren, und The Public läuft nicht Gefahr, die Unterstützung zu verlieren. Diese Industrie ist darauf aufgebaut, den Menschen zu sagen, dass sie entbehrlich sind; Dass jeder kleine Fehltritt dazu führt, dass du gefeuert und durch jemanden ersetzt wirst, der bereit ist, so hoch zu springen, wie es ihm gesagt wird. Um also irgendeine Art von systemischer und langfristiger Wirkung zu erzielen, muss die Repräsentation außerhalb des Produktionszyklus auf hoher Ebene innerhalb einer Organisation erfolgen. 

Darsteller, Regisseure, Designer, Autoren, alle kommen und gehen innerhalb einer Staffel, aber die Administratoren sind darauf vorbereitet, ihre Organisationen in allen Bereichen, die ich besprochen habe, zur Rechenschaft zu ziehen. Die Administratoren wählen das Programm aus und welche Dramatiker in ihrer Spielzeit eine Stimme erhalten. Administratoren können dafür plädieren, die Zusammenarbeit mit Regisseuren zu beenden, die die angeborenen Beiträge ihrer Künstler ignorieren und stattdessen diskriminieren, indem sie einer "neutralen" Produktion den Vorrang geben. Administratoren sind nicht verpflichtet, weiterhin Casting-Direktoren einzusetzen, die ständig das Ziel verfehlen, wenn es darum geht, marginalisierten Künstlern gleiche Chancen zu bieten. Administratoren und künstlerische Leiter haben die Macht, sich kontinuierlich für Gleichberechtigung einzusetzen und Konsequenzen für diejenigen zu schaffen, die diesen Standard nicht erfüllen.

Eine Führung in dieser Branche, die nicht aktiv auf diese Botschaften hinarbeitet, versagt dabei, ihren Gemeinschaften, aber auch ihren Unternehmen zu dienen. Die meisten Positionen auf dieser Ebene verlangen von ihren Mitarbeitern, das Unternehmen und seine Beziehungen zu den Verbrauchern zu pflegen und zum Erfolg zu führen. Doch von den Unternehmen, die 17/18 von der AAPAC befragt wurden, waren 100% der künstlerischen Leiter weiß - man kann nicht behaupten, seine Community zu repräsentieren, wenn man nur einen Bruchteil dieser Community in seine Entscheidungsfindung einbezieht.  Den Künstlern wird gesagt, dass sie sicherstellen müssen, dass ihr Ruf makellos ist, um nicht auf die schwarze Liste gesetzt zu werden - dies gilt in beide Richtungen. Glanzlose Versuche, Inklusivität und Gleichberechtigung zu schaffen, sind für diejenigen, die am meisten davon betroffen sind, sehr offensichtlich. Unternehmenslenker, die sich nicht aktiv für ein inklusives Umfeld einsetzen, berauben ihre Organisationen auch talentierter Künstler, die schnell lernen, wo die Ausbeutung ihrer Talente für den Profit wichtiger ist als ihr Recht auf ein förderliches Arbeitsumfeld. 

Die Krise ist bereits da

Im Dezember 2020 erwähnte die New York Times, dass die Drosselung der Kunstindustrie zu einer " kulturellen Depression" führen würde, da Künstler*innen gezwungen seien, andere Karrieren zu suchen, und neue Absolvent*innen, die die Branche normalerweise mit frischem Blut füllen würden, auf der Strecke blieben. Ich würde behaupten, dass die Minimierung marginalisierter Künstler*innen und Verwalter*innen auf der höchsten Ebene dieser Branche bereits eine solche geschaffen hat. We See You White American Theater, #FleeTheFlea, der öffentliche Rauswurf von Scott Rudin, der Abgang von Karen Olivo, der offene Brief von Aneesh Seth... Das sind mehr als Hashtags und Überschriften. Sie sind Sollbruchstellen. Die AAPAC liefert uns unwiderlegbare Daten darüber, wo diese Branche in Bezug auf Gerechtigkeit versagt und schrittweise Fortschritte macht. Der Bericht 2017-18 der AAPAC ist die neueste Studie, die auf ihrer Website verfügbar ist, aber können wir ehrlich sagen, dass die Studien über die Jahre zwischen damals und heute zu wesentlich unterschiedlichen Ergebnissen führen würden? Und ohne speziell ausgerichtete Shows wie Hamilton, KPOP und Der König der Löwen, können Sie mit Zuversicht sagen, dass die ethnische Zusammensetzung am Broadway sogar so minimal inklusiv wäre, wie sie es jetzt ist? Das kann ich ganz sicher nicht.

Vor einem Jahr eroberten die Aufnahmen der Ermordung von George Floyd die sozialen Medien, und die Proteste erschütterten die Welt. Ich erinnere mich, dass mich Leute fragten: "Warum ist das der Tropfen, der das Fass zum Überlaufen bringt? Was macht dieses hier so besonders?" Das ist eine brutale Frage. Die einzige Antwort, die mir einfiel, war der Kontext. Die ganze Welt war zu Hause und hatte keinen anderen Reiz oder Ventil, um unsere Anspannung abzubauen. Keine morgendlichen Kaffeepausen, kein "Uff, hast du die Nachrichten gesehen?", während du eine Jacke auf deinen Stuhl fallen lässt und es dir für den Tag gemütlich machst. Es gab nur unsere kollektive Trauer, unser Entsetzen und unsere Wut, die mit einer Kraft brodelte und explodierte, die danach verlangte, gehört und mit ihr gerechnet zu werden. Die Anschläge in Atlanta im März 2021 brachten mich an eine ähnliche Belastungsgrenze. Nachdem ich ein Jahr lang drinnen eingesperrt war und in mein eigenes Gesicht gestarrt hatte, war ich gezwungen, in Stille zu sitzen, mit nichts als meinen Erinnerungen. Ich habe mich endlich mit der Tatsache abgefunden, dass mein Othering nicht auf Jahrzehnte des "Woher kommst du?" beschränkt war. Ich nahm einen Künstlernamen an, weil selbst enge Freunde meinen Nachnamen immer noch falsch aussprachen (Huang reimt sich auf "long", nicht auf "tang"). Er machte seinen College-Abschluss in den Jahren zwischen Aloha und Ghost in the Shell - zwei großen Filmen, die weithin als Schönfärberei kritisiert wurden. Es geht darum, zu erkennen, dass sich meine kurze Casting-Geschichte mit Stars wie Lana Condor und Ashley Park überschneidet, einfach weil es so wenige Rollen für asiatische Darsteller gibt, dass eine Show (KPOP) für 20% unserer Repräsentation verantwortlich sein kann.

Zwischen all dem war ich endlich in der Lage, die Freude in den jüngeren Momenten zu identifizieren, in denen ich voll und ganz existieren durfte. Ich schätze es, in eine Lesung zu gehen und nicht das einzige asiatische Gesicht im Raum zu sein. Ich genieße es, ein geliebtes Essen oder eine Familieneigenart zu beschreiben und jemanden zu haben, der wissentlich die Augen verdreht und lächelt. Teil einer Show zu sein, in der wir die Beleuchtungsvoreinstellungen nach den queeren Flaggen benennen, denen sie ähneln (bisexuelle Beleuchtung ist mein Favorit), und mit Freude queere oder ethnische Identitäten zu besitzen, ohne dass es zu einer Unannehmlichkeit wird. So sehen Gleichberechtigung und Inklusion aus. Und die Knappheit dieser Momente ist es, die ich ablehne, wenn ich in dieser Branche "business as usual" höre. Uns wird gesagt, dass wir unsere eigene Kunst machen sollen, dass wir uns für unsere eigenen Stimmen einsetzen sollen, aber ohne branchenweite Unterstützung und Veränderungen, die von den Organisationen an der Macht initiiert werden, werden wir es schwer haben, gehört zu werden. Während Sie auf den Social-Media-Zug aufspringen und auf den richtigen Moment warten, um die Richtlinien zu aktualisieren und substanzielle Veränderungen herbeizuführen, verkümmern Künstler, gehen in Rente und sterben. Man kann nicht weiterhin Generation um Generation von Künstlern durch lautstarke Untätigkeit im Stich lassen. Wir sind des Wartens müde.

Die Wiedereröffnung ist ein wichtiger Meilenstein in unserer laufenden Erholung von COVID-19, aber sie ist nicht für alle eine Wiedereröffnung. Im Guten wie im Schlechten ist der Broadway die Maschine, die diese Branche anführt. Wir haben so viel Zeit in dieser Krise damit verbracht, uns auf das Geschäft des Theaters zu konzentrieren, ohne viel darüber zu reden, wie wir die Menschen unterstützen können, die es aufrechterhalten. Wir haben über ein sozial distanziertes Publikum gesprochen, ohne darüber zu diskutieren, wie absurd es ist, diese Sicherheitsstandards hinter der Bühne aufrechtzuerhalten. Wir werden poetisch, wenn es darum geht, ein breiteres Publikum zu erreichen und Verwalter von Kultur und Gemeinschaft zu sein, während wir nie innehalten, um uns zu fragen, ob wir marginalisierten Mitgliedern unserer Gemeinschaft tatsächlich die Möglichkeit geben, zu sprechen. Hashtags fliegen, Antirassismus und queere Unterstützungsinitiativen werden auf Websites veröffentlicht, weil das der Trend ist, aber wenn der Social-Media-Eifer nachlässt, wird nichts unternommen. Ich bin nicht der Erste, der dieses Thema anspricht, und dieser Artikel geht nicht ansatzweise auf die Breite ein: Andrew Walker White schrieb eine dreiteilige Serie über toxische künstlerische Führung, Kelly Hartog hob hervor, dass missbräuchliche Praktiken gegen Performer*innen nicht aufhören oder bei einer Person beginnen. Aber egal, wie viele Teile wir in die Welt setzen, ich bin nicht optimistisch: Die Maschine dieser Industrie kann uns immer noch überrollen. Beweisen Sie uns das Gegenteil. Mach es besser. Ab sofort.